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09/12/16

Record di merda



Era stata venduto al peso d'oro, quando fu ideata da Piero Manzoni, è pare rendere ancora di più, visto che l'altro ieri è stata venduta a 275.000 euro all'asta milanese da Il Ponte.

Si tratta di una delle 90 scatole metalliche di "Merda d’artista, conservata al naturale prodotta ed inscatolata nel 1961”  ora sempre più un'opera moderna storica. 

08/12/16

Alberi di Natale a Londra



Oltre al già citato Albero di Natale della Tate Britain, quest'anno altri artisti si sono cimentati cone questo "oggetto" a Londra.

Uno è l'artista inglese Alex Chinneck  che ne ha congelato uno all'interno di un enorme cubo di ghiaccio a Kings Cross, nella piazza con le fontane colorate del campus Central Saint Martins.


L'altro è il bosco magico ideato da  Jony Ive e Marc Newson presso il Claridge, un suggestivo spazio invernale. 

L'albero di Shirazeh Houshiary





Torna dopo una pausa di tre anni, a causa dei lavori di rinnovamento, la tradizione dell'albero natalizio alla Tate Britain, iniziata nel 1988, quest'anno torna con l'artista Shirazeh Houshiary.



Dal sito della Tate:

A Christmas tree by Shirazeh Houshiary is unveiled today, 1 December 2016, forming the spectacular centerpiece beside a display of work by prominent British artists such as Antony Gormley, Anish Kapoor and Alison Wilding, and marks the start of a new series of festive commissions for Tate Britain. This is the first Christmas tree at the gallery since work began on the new Tate Britain, which included the reopening of the main entrance on Millbank when a striking spiral staircase was installed in the Rotunda, and continues the tradition of marking the festive period with an artist commission, by reimagining the work Houshiary created for Tate over twenty years ago.
The work, which focuses on the tree’s natural qualities such as texture, colour, smell and shape, hangs upside down from the glass ceiling in the Millbank entrance, its roots exposed and covered in gold leaf, drawing light and attention to what is usually underground. In 1993 Houshiary described her tree for Tate Britain as ‘taking earth back to heaven’. She says now, ‘I would like us to contemplate that the pine tree is one of the oldest species and recognise the roots are the source of its continued stability, nourishment and longevity. As the roots remain hidden, it is best to seek what is hidden rather than what is apparent. As a Buddhist monk wrote, ‘An old pine tree preaches wisdom’.’ The 2016 tree is suspended down the centre of the staircase, toward the public spaces below. The tree’s placement in the new space will offer the viewer an altered perspective from three levels of the gallery; the tip of the tree from the lower floor, the floating body from the ground, and the glittering roots opening out in an abstract star formation when viewed from the upper floor. 
The tree is installed in the Rotunda, which leads through to the Duveen Galleries of Tate Britain, where a new display, Sculpture as Object, features work by contemporaries of Houshiary. These artists, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tony Cragg, Richard Wentworth, Bill Woodrow, Shelagh Cluett, Richard Deacon, Jacqui Poncelet, Alison Wilding and Houshiaryemerged in the 1980s and achieved international recognition for their new approaches to sculpture. Reflected in the symbolism of the Christmas tree, Houshiary’s piece in the Duveen Gallery reinterprets western sculpture in the light of Sufi poetry and ancient writings from east and west on philosophy, religion and astronomy.Kapoor uses pure pigment to highlight the spiritual and symbolic values associated with colour; while spiritual concerns also underpin Gormley’s exploration of the physical confines of the body. Shelagh Cluett draws our attention to the physical process of fabrication, as sheets of metal are hammered or bolted into shape while Wilding similarly creates a tension between the nature of materials and their transformation into sculpture.
Alex Farquharson, Director Tate Britain said, ‘We are delighted to show Shirazeh Houshiary’s Christmas tree this year, alongside fellow prominent international UK-based artists in the Duveen Galleries. This unveiling marks a pivotal moment for the festive season at Tate Britain by looking to the past in order to look to the future. This tree fits the new space perfectly, allowing a different generation to experience the majesty of Houshiary’s work in the striking setting of the new entrance and staircase, and signals the beginning of an exciting era of annual Christmas artist commissions at Tate Britain.’
The tree is unveiled amid a host of festive performances and activities at Tate Britain. Over the weekend of the 2 and 3 December there will be special viewings of Tate Britain’s celebrated Turner Collection by torchlight, pop-up performances from the ENO chorus, festive tours of the collection, and children’s story-telling.


Shirazeh Houshiary was born in Iran in 1955. Having moved to London in the early 1970s Houshiary graduated from the Chelsea School of Art in 1979. She was shortlisted for the Turner Prize in 1994. She currently lives and works in London.

Christmas Tree 2016 by Shirazeh Houshiary opens on 1 December in the Millbank Entrance of Tate Britain and is exhibited with support from Lisson Gallery. Sculpture as Object is curated by Clarrie Wallis, Senior Curator of Contemporary British Art, and Elsa Coustou, Assistant Curator Contemporary British Art. Following the Turner Prize giving on 5 December at Tate Britain, the exhibition will reopen in full to show work by Tony Cragg, Richard Deacon, Jacqui Poncelet, Richard Wentworth and Bill Woodrow.

Menabrea Art Prize, Gianandrea Poletta vince l’edizione 2016





The winner of the 2016 Editions is Gianandrea Poletta (scroll down for english version)

Untitled Association e Birra Menabrea S.p.A. hanno il piacere di annunciare la vittoria di Gianandrea Poletta (Venezia, 1984) al Menabrea Art Prize 2016, premio finalizzato alla promozione di artisti italiani emergenti non ancora rappresentati da gallerie.

La giuria, presieduta quest’anno da Marianna Vecellio (curatrice, Torino) e composta da Lara Favaretto (artista, Torino), Norma Mangione (gallerista, Torino), Rosa Sandretto (collezionista, Milano), Paola Maina (uffcio stampa Birra Menabrea, Torino), Danilo Ruggiero (presidente Untitled Association, Roma). Il vincitore riceve:

- un contributo in denaro per la produzione di un’opera inedita,

- la possibilita` di realizzare e pubblicare un libro d’artista o un’edizione in collaborazione con CURA.BOOKS e Untitled Association.

Il tema dell’edizione 2016 del Premio, ideato e proposto da CURA. è: ‘L’abbaglio di Monsieur Diderot’.

L’etichetta di Gianandrea Poletta è stata selezionata fra le proposte di: Enrico Boccioletti (Pesaro, 1984), Gaia Fugazza (Milano, 1985), Valerio Nicolai (Gorizia, 1988), Alessandro Vizzini (Cagliari, 1985).

Tutte le etichette che hanno partecipato al premio saranno presto visibili sul sito di Untitled Association (www.untitled-association.org) nelle pagina dedicata al MAP e saranno esposte alla prossima edizione di MIART, insieme all’opera espressamente realizzata grazie al Premio.
Per ulteriori informazioni è possibile scrivere a map@untitled-association.org

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Untitled Association and Birra Menabrea S.p.A. are pleased to announce that Gianandrea Poletta (Venice, 1984) has won the Menabrea Art Prize 2016, the aim of which is to promote emerging Italian artists who are not yet represented by art galleries.

This year the jury was chaired by Marianna Vecellio (curator, Turin), and composed of Lara Favaretto (artist, Turin), Norma Mangione (gallerist, Turin), Rosa Sandretto (collector, Milan) Paola Maina (Birra Menabrea press office, Turin) and Danilo Ruggiero (president of Untitled Association, Rome). The winner receives the following:
- a cash prize for the production of a new artwork,
- the opportunity to produce and publish an artist book or a limited edition in collaboration with CURA.BOOKS and Untitled Association.

The theme of the Prize for the edition 2016, conceived and proposed by CURA. is: ‘The predicament of Monsieur Diderot’.

The label by Gianandrea Poletta has been selected among those proposed by Enrico Boccioletti (Pesaro, 1984), Gaia Fugazza (Milan, 1985), Valerio Nicolai (Gorizia, 1988), and Alessandro Vizzini (Cagliari, 1985).

All the participating labels will be available on the website of Untitled Association (www.untitled-association.org) in the section dedicated to MAP and will be exhibited at the next edition of MIART along with the artwork especially created and produced thanks to the Award.



Gianandrea Poletta

Ho scritto un racconto breve diviso in 13 capitoli. Racconta di una passeggiata in centro, dopo una lunga giornata di lavoro. Il protagonista, in un flusso di coscienza dato da uno stato di stanchezza mista a felicità, elabora le immagini che incontra lungo le vie del centro e le raffronta con la propria storia personale. Nei minuti che separano l'uscita dall'ufficio in piazza XXIV Maggio a Milano sino alla stazione metropolitana di Montenapoleone, il protagonista ci parla di desiderio, di realizzazione di se, e pone questioni sul senso della cultura popolare e consumistica sul ruolo dell'artista oggi.
Ognuno dei capitoli appartiene ad un’etichetta che ne riporta in alto il numero. L'intero racconto è leggibile quindi solo appropriandosi delle 13 bottiglie di birra Menabrea, innescando così nel lettore il famigerato effetto Diderot.

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I wrote a short story divided into 13 chapters. It tells the story of a walk in the city center, after a long day at work. The main character, in a stream of consciousness due to a state of exhaustion, combined with happiness, fantasizes on the images he sees along his walk and compares them with his own personal history. On the way from his office in Piazza XXIV Maggio to the Montenapoleone subway station, our protagonist tells us about desire, self-fulfillment, and raises questions on the meaning of popular and consumer culture and on the role of the artist today.

Each chapter belongs to a label that contains the number on top. The whole story can be read only by collecting the 13 bottles of Menabrea beer, thus triggering in the reader the infamous Diderot effect. 

L’edizione del Menabrea Art Prize 2016 ha chiesto agli artisti selezionati di offrire, attraverso il loro lavoro, una riflessione sull’effetto Diderot, prendendo spunto dal noto saggio del 1769 “Rimpianti sopra la mia vecchia vestaglia”, in cui il filosofo francese raccontava di aver ricevuto in regalo una nuova vestaglia, cambiamento che, seppur marginale nel sistema generale delle cose, aveva inaspettatamente innescato una reazione a catena nella percezione degli oggetti intorno a lui. La sostituzione della vecchia vestaglia, perfettamente in tono con gli altri vecchi oggetti, con una nuova, gli aveva fatto improvvisamente apparire tutto stonato, tanto da costringerlo a cambiare molti oggetti della sua casa. Il cosiddetto “effetto Diderot” – alla base di ogni strategia di marketing – aveva scardinato la “sicurezza degli oggetti” rimasta salda fino a quel momento, esplicitando tutte le fragilità emotive su cui il consumismo fa leva, nello spingerci ad acquistare beni di cui non abbiamo realmente bisogno…

A partire da questo assunto, Gianandrea Poletta ha sviluppato un progetto che consiste in un racconto su tredici etichette che, con grande originalità e acuta ironia, ci offre una inedita reinterpretazione del tema. Come afferma l’artista, il protagonista “ci parla di desiderio, di realizzazione di sé, e pone questioni sul senso della cultura popolare e consumistica, sul ruolo dell’artista oggi”.

La storia, presentata in frammenti, stimola la curiosità del lettore, invogliandolo a collezionare le singole bottiglie per completare la narrazione. Il fenomeno oggetto del bando, riflette proprio sull’effetto secondo il quale all’afferta di beni di consumo corrisponde, da una parte il maggiore attaccamento agli oggetti in cui ci riconosciamo, e dall’altra impedisce al mercato di aprirsi al nuovo. L’artista conferisce inoltre potere simbolico all’aggetto della bottiglia, trasformando quest’ultima in un feticcio e, assegnando allo spettatore il potere stesso di avviare o meno un’analisi di coscienza, gli ha restituito l’autorità di scelta. Le bottiglie diventano così esse stesse rappresentazioni paradossali seduttive e fragili, oggetti del desiderio e rappresentazioni pop.

(Marianna Vecellio, il presidente della giuria)



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The 2016 edition of the Menabrea Art Prize challenged the artists to present, through their work, a reflection on the “Diderot effect”, drawing on the famous essay ‘Regrets on Parting with my Old Dressing Gown’ (1789) where the French philosopher wrote about a new dressing gown he received as a gift and how this apparently minor change in his daily life unexpectedly triggered a chain reaction in the perception of things surrounding him. The replacement of the old dressing gown, that once perfectly fit with his other belongings, with the new one made everything else look out of place to such an extent that he had to replace several items in his house. The so-called “Diderot effect” – at the basis of all marketing strategies – had demolished the ‘certainty of the objects’ which had been solid until that moment, uncovering all the emotional vulnerabilities on which consumerism relies, inducing us to buy what we do not really need…

Starting from this assumption, Gianandrea Poletta developed a project which consists in a narration on thirteen labels that, with great freshness and sharp irony, offers an original reinterpretation of the theme. As the artist states, the main character “tells us about desire, self-fulfillment, and raises questions about the sense of popular and consumer culture, and about the role of the artist nowadays”.

Presented in fragments, the story arouses the readers’ curiosity, encouraging them to collect all the bottles to complete the narration. The phenomenon, which is the object of the competition, reflects upon the effect in which the supply of consumer goods corresponds on one hand to a greater dependence on the objects in which we recognize ourselves, and on the other hand prevents the market from opening up to new possibilities.

Furthermore the artist attributes a symbolic power to the bottle as an abject, transforming i tinto a fetish and, by assigning to the spectators the power to start (or not) a self-examination, gives them the power of choice. The bottles thus become seductive and fragile paradoxical representations of themselves, objects of desire and pop representations.
(Marianna Vecellio, the president of jury)


07/12/16

Ilaria Bonacossa per Artissima



Oggi il Consiglio Direttivo della Fondazione Torino Musei, composta da Andrea Bellini, Michela Bondardo, Silvia Evangelisti, Guido Guerzoni e Francesco Manacorda, ha rese noto il candidato selezionato, su biografia, profilo e progetto, per curare le prossime edizioni di Artissima 201/2020 si tratta di Ilaria Bonacossa.

Ilaria Bonacossa è una critica e curatrice d’arte, con studi curatoriali al Bard College, è stata collaboratrice alla  Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, e al Whitney Museum durante la Biennale ideata da Larry Rinder. 

Attualmente è il Direttore Artistico del Museo Villa Croce di Genova. 

Fra le diverse attività segnaliamo anche che è stata membro della Giuria per il Leone d’Oro della 52° Biennale d’Arte di Venezia e ha curato mostre per  Massimo Grimaldi, Alberto Tadiello Tòmas Saraceno e Katrin Sigurdardottir, e tanti altri artisti di fama internazionale.




Comunicato stampa della Fondazione Torino Musei 


ILARIA BONACOSSA è la nuova DIRETTRICE di ARTISSIMA, LA FIERA D’ARTE CONTEMPORANEA DI TORINO

Il Consiglio Direttivo della Fondazione Torino Musei ha scelto il nuovo Direttore di ARTISSIMA, selezionato tra i nomi in short-list nominati dalla commissione esterna composta da Andrea Bellini, Michela Bondardo, Silvia Evangelisti, Guido Guerzoni e Francesco Manacorda.
Sarà la quarantenne ILARIA BONACOSSA a guidare la Fiera d’Arte Contemporanea di Torino per le prossime tre edizioni 2017-2020. 

Dopo attenta valutazione dei candidati e dei progetti selezionati dalla commissione esterna, il Consiglio Direttivo della Fondazione Torino Musei ha individuato  nel profilo biografico e nel progetto di ILARIA BONACOSSA il candidato ideale a guidare le prossime edizioni di Artissima, sia sotto il profilo professionale che per il progetto presentato, molto ben strutturato e in linea con gli obiettivi di una fiera importante e complessa come Artissima. Un progetto volto a rafforzare l’identità culturale della fiera, con un’attenzione allo sviluppo delle strategie artistiche, ma anche una particolare sensibilità alle strategie di mercato e commerciali della fiera. 
Queste le motivazioni della scelta da parte del Consiglio Direttivo, che incontrerà al più presto la nuova Direttrice per valutare insieme le linee guida della nuova direzione. 

Come sottolinea Antonella Parigi, Vice Presidente della Fondazione Torino Musei, “ritengo che la scelta fatta dal Consiglio Direttivo della Fondazione sia la più corretta dal punto di vista progettuale. Ci tengo inoltre a ringraziare la Direttrice uscente Sarah Cosulich per il lavoro svolto in questi anni e la commissione esterna che ha selezionato i curricula e progetti che hanno partecipato al bando".
"Sono felice di tornare a Torino, città che amo e in cui ho vissuto quasi dieci anni – dichiara la neo Direttrice Ilaria Bonacossa - Dal 2002 non ho mai perso un’edizione di ARTISSIMA e credo che la qualità delle proposte culturali della fiera sia indiscutibile. Raccolgo questa importante eredità con responsabilità ed entusiasmo e credo che la forza e l’eccellenza internazionale delle istituzioni culturali torinesi renda ARTISSIMA un’eccezionale occasione per l’arte contemporanea italiana. Sarà una sfida appassionante, giocata insieme alle gallerie e ai collezionisti che da sempre sono stati centrali alla storia dell’arte contemporanea. Ringrazio la Fondazione Torino Musei per la fiducia accordatami.”
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Ilaria Bonacossa. Curatrice e critica d’arte, dopo un master in studi curatoriali al Bard College, negli Stati Uniti, collabora a New York con il Whitney Museum per la Biennale curata da Larry Rinder. Curatrice per sette anni alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, dove cura mostre internazionali come Subcontingent, arte contemporanea dal Sub Continente Indiano, dal 2012 è Direttore artistico del Museo Villa Croce, Genova: istituzione municipale per l’arte contemporanea gestita con un innovativo modello di collaborazione pubblico-privato in collaborazione con Fondazione Palazzo Ducale per la Cultura e il Comune di Genova. A Villa Croce ha curato numerose mostre internazionali tra cui Andy Warhol sul Comò. Opere dalla Collezione Barabino e Cosmic Jive. Tomás Saraceno The Spider Sessions. È stata membro del Comitato Tecnico per le acquisizioni del museo FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur di Marsiglia (2007-2013), membro del Comitato scientifico del PAC di Milano dal (2013-2016) e direttrice per lItalia del programma internazionale Artist Pension Trust. Nel 2007 è stata membro della Giuria per il Leone dOro della 52° Biennale dArte di Venezia e nel 2013 membro della Giuria per lInamori Foundation Prize di Kyoto. Parallelamente, con Art@Work, il collettivo che ha contribuito a fondare, sviluppa progetti in contesti non-profit e del collezionismo privato. In particolare, curando le installazioni site-specific per Antinori Art Project e Fondazione La Raia. Ha curato, tra le altre, mostre personali di Tòmas Saraceno, Thomas Grunfelde, Zhang Enli, Tony Conrad, Julieta Aranda, Massimo Grimaldi, Alberto Tadiello e Katrin Sigurdardottir, e scritto del lavoro di Cristof Yvoré, Kees Goudzwaard e Marlene Dumas. Laureata in Storia dell'Arte all’Università Statale di Milano, ha ottenuto un Master in Curatorial Studies dal Bard College di New York.

Raven Row si rinnova




Il prossimo anno Raven Row cambierà strategia, nel  2017  i progetti saranno ancora eventi e mostre, ma aperto solo dal Venerdì alla Domenica.

Poi da gennaio 2018, gli edifici di Raven Row saranno utilizzati dagli artisti e da organizzazioni varie per progetti senza esiti espositivi, superato questa fase di ricerca si tornerà ad una nuova proposta culturale. 


06/12/16

Artists Holiday Party

Sta per arrivare il Natale per cui parti ovunque, fra i tanti vi segnaliamo quello molto artistico del Moma PS1




Night at the Museum: Artists Holiday Party
Friday, December 16, 2016
8pm–midnight


Tickets $15
RSVP on Facebook


Celebrate the holiday season with artists, friends, and MoMA PS1 at this special Night at the Museum. Visit our exhibitions after dark, enjoy spiked hot chocolate and other treats, and experience the VW Dome re-imagined as a giant, immersive snow globe.


Special Thanks to Our Artist Hosts:

Michele Abeles, Marina Abramović, Doug Aitken, Ed Atkins, Charles Atlas, Tauba Auerbach, Kevin Beasley, Gina Beavers, Huma Bhabha, Jonah Bokaer, Carol Bove, Lauren Boyle, Sascha Braunig, Mira Dancy, Lauren Devine, David Hallberg, Jamian Juliano-Villani, Devin Kenny, Ragnar Kjartansson, Jeff Koons, Liz Magic Laser, Deana Lawson, Glenn Ligon, Cinthia Marcelle, Christian Marclay, Julie Mehretu, Donald Moffett, Laurel Nakadate, Lorraine O’Grady, Adam Pendleton, Rob Pruitt, Ugo Rondinone, Jacolby Satterwhite, Dana Schutz, Cindy Sherman, Laurie Simmons, Avery Singer, Kiki Smith, Casey Spooner, Hank Willis Thomas, Mickalene Thomas, Ryan Trecartin, Francesco Vezzoli, Anicka Yi

MoMA PS1
22-25 Jackson Avenue
Long Island City, NY 11101

05/12/16

Quadriennale - A che punto è l’arte italiana?




Presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma è stata allestita, fino all'8 Gennaio 2017, la Quadriennale, realizzata in un vasto e articolato allestimento, in certe sezioni molto colorate in altre troppo minimali.

La nuova edizione della Quadriennale mette in evidenza una certa instabilità, forse delicatezza, dell’arte visiva italiana.

Colpisce la mancanza di opere significative, la ricognizione presenta molti lavori che perduto il senso visivo, si rifugiano nel processo riflessivo, per cui hanno una consistenza indefinita e sfuggente, uno sguardo prolungato spoglia rapidamente di attenzione molti lavori, per cui ci si domanda dov’è l’opera visiva, è arte o altro, forse teatro, accenni di sociologia, tentativi antropologici, documentari?

Nel grande sforzo, sostenuto da ben due milioni di euro, che non sono in questi tempi spiccioli, si sono raccolti quasi cento artisti e undici curatori.

L’intento è sicuramente lodevole e importante.




Bisogna tornare a pensare alla realtà artistica nazionale, fare il punto della situazione è significativo per capire. Ma quello che si intende in questi spazi è che oggi l’arte visiva pare essersi dileguata, vaporizzata in tante declinazioni che con lo sguardo hanno poche relazioni.

Passeggiando per le stanze si ha l’impressione che la maggior parte degli oggetti presenti siano dei supporti, ipotesi a cui mancano gli sviluppi o sono debolmente accennati da speculazioni più curatoriali che artistiche.

Forse i tempi così complessi non aiutano a fare scelte, ad avere il coraggio di porsi su una linea ma stare instabilmente in equilibrio fra supposizioni, ipotesi, incertezze.

Nota molto positiva l’emergere di un lavoro curatoriale molto raffinato che però sovrasta spesso il lavoro artistico, confermando sempre più che gli artisti attraversano una fase di insicurezza o forse troppo bravi i curatori !?









04/12/16

David Hockney va in Abazia




L’arte contemporanea arriva nella Abazia di Westminster con un intervento artistico di David Hockney.

La storica Abazia di Westminster per onorare la regina Elisabetta II farà realizzare all’artista inglese una vetrata nel transetto nord, che sarà inaugurata il prossimo 2018 anno del giubileo reale.


Si tratterà di una superficie di quasi dodici metri quadrati che saranno interpretati in un motivo naturalistico, il progetto è sostenuto da due benefattori anonimi. 

03/12/16

Albume 2016

Eccomi a condividere alcune foto di questa nuovo stupenda edizione di Albume 2016 itinerari artistici negli interni cuneesi ideata da Stefano Venezia con il supporto curatoriale di Michela Sacchetto, un bel gruppo di artisti molto diversi ma tutti stimolanti e ricchi di proposte che dialogano con la realtà abitativa. 

Silvio Valpreda








Paolo Inverni 




Lia Cecchin




Loverscraft, Melanie Vincent e Ernesto Sartorio






Milos Tomic e Coloc, Francesca Chiacchio e Michela Sacchetto










La Tenda Verde piena d’arte, ma non solo


Un’ingresso tutto verde accoglie il visitatore al P.A.V. di Torino, si tratta di un tessuto molto simile a quello che Joseph Beuys usò per realizzare una tensio-struttura dove accoglieva una serie di eventi sull’ecologia, tema particolarmente caro all’artista tedesco.

Questo passaggio è l’ingresso alla ultima mostra del ciclo ideato da Marco Scotini sulle pratiche artistiche ecologiche degli anni settanta in Europa.

Un progetto ben articolato con alcuni interessanti spunti e riflessioni. Se le prime due tappe, “Earthrise - visioni pre-ecologiche nell’arte italiana”, nel 2015, e “EcologEast - Arte e natura al di à del Muro” nella primavera del 2016, hanno avuto uno sguardo più panoramico, in questa occasione l’attenzione si concentra su una figura sola, Joseph Beuys.

L’artista tedesco è sicuramente stata una delle figure più interessanti del secolo passato, sia per la prassi che per le influenze creative. La mostra indaga con un variegato materiale documentativo, questo percorso artistico guardando in particolar modo al suo impegno ambientale fortemente anticipatorio e significativo, che superava il gesto artistico per essere un coinvolgimento a tutto tondo, sconfinando anche nell’impegno politico attivo. 

Con questo progetto il Pav si conferma come uno dei centri culturali più stimolanti di Torino, che sa guardare al passate per aiutarci a capire il future.

La mostra durerà fino al 19 Marzo 2017.

PAV via Giordano Bruno 31, Torino










02/12/16

DALLE BOMBE AL MUSEO | La rinascita dell'arte moderna. L'esempio della GAM | Dal 14 dicembre GAM Torino



Tra il 1940 e il 1945, durante la seconda guerra mondiale, Torino fu sottoposta ad una lunga serie di incursioni aeree e molte zone della città furono danneggiate profondamente dalle bombe. Anche l’edificio del 1880 che ospitava le collezioni della Galleria Civica d’Arte Moderna fu bombardato e parzialmente ridotto in macerie, così come furono danneggiate alcune sculture di grandi dimensioni che non si erano potute trasferire altrove.
Alla fine della guerra, una Torino nuovamente liberata e democratica re-immagina il futuro.
Dalle bombe al museo ripercorre l’itinerario di rinascita dell’arte moderna in Italia, all’uscita del ventennio di autoritarismo e isolamento che il regime fascista, alleato della Germania nazista, aveva imposto. La storia della ricostruzione della Galleria d’Arte Moderna di Torino - progettata da Carlo Bassi (1923) e Goffredo Boschetti (1923-2013), durante la direzione di Vittorio Viale (1891-1977) - vale come esempio della più ampia Ricostruzione che il nostro paese, con straordinaria vitalità ed energia, incomincia nel 1945 e realizza lungo i decenni successivi.
La nuova Galleria, aperta nel 1959, sorge dai ruderi del Padiglione Calderini, colpito da uno spezzone incendiario nel corso dei bombardamenti della notte del 20 novembre 1942: fin dal 1895 ospitava le Collezioni d’arte moderna dei Musei Civici di Torino. La vicenda, ricostruita dalla mostra, è dunque concentrata in un isolato (tra via Magenta, corso Galileo Ferraris, via Vela e via Fanti): il luogo della città dove è possibile scoprire l’arte del proprio tempo, all’incrocio del dialogo tra arte italiana e straniera.
Nelle prime sale sono esposte alcune opere emblematiche (in parte distrutte e in parte restaurate) del museo bombardato, e nella prosecuzione della visita apparirà subito chiaro che nella Galleria dell’epoca si stava lavorando già con l’intenzione di costruire una collezione di respiro internazionale, che maturava persino prima che il cantiere fosse aperto. Basti pensare all’acquisto, alla Biennale di Venezia del 1948, di un’opera di Chagall, seguita poi dalle importanti acquisizioni nelle rassegne “Pittori d’Oggi. Francia Italia”, a partire dal 1951: Hartung, Manessier, Tal Coat.
Le oltre 60 opere esposte sono intercalate da 90 fotografie d’epoca e da un’ampia selezione di tavole e disegni d’architettura, lettere e documenti originali. Dipinti, sculture e carte appartengono alle Collezioni della GAM e ai suoi Archivi storici. Lungo il percorso espositivo, poltroncine, tavoli, sedie e lampade ricostruiscono alcuni degli arredi originali della Galleria, documentando la ricerca del design di quegli anni.
Dalle bombe al museo è una mostra corale, che intreccia storia, arte, architettura, design, attraverso il progetto di Carlo Bassi e Goffredo Boschetti, le opere di artisti come Marc Chagall (Dans mon pays, 1943), Hans Jean Arp (Scultura di silenzio “Corneille”,1942), Giacomo Manzù (Ragazza seduta, 1948), Hans Hartung (Composition T. 50-5, 1950), Emilio Vedova (Dal ciclo della natura n. 9 (spaziale = invasione), 1953), Pinot Gallizio (La cicogna, 1957) e un gruppo di oggetti e mobili dei BBPR (Belgiojoso, Peressutti e Rogers), Luigi Caccia Dominioni, Gio Ponti, Ico Parisi.
A partire da questo patrimonio, la mostra intende ripercorrere e ricordare la storia di una utopia diventata realtà, mettendo in luce la straordinaria capacità di una intera città di trasformare la deformità della guerra in una idea propositiva verso il futuro.


La storia
La nuova sede della Civica Galleria d’Arte Moderna è un progetto degli architetti Carlo Bassi e Goffredo Boschetti, vincitori, non ancora trentenni, del concorso nazionale bandito dalla Città nel 1951 e concluso nel 1952. La commissione giudicatrice, nominata dal Comune, dà un primo segno importante di novità che si tradurrà nell’approvazione del progetto di un museo avveniristico. Il suo cantiere è la cornice dell’intenso confronto tra i progettisti e il direttore Vittorio Viale, che consiglia, discute, propone, mettendo a disposizione competenza museografica e contatti internazionali. Dal 1954 al 1959, la Galleria in costruzione è un crocevia internazionale, la sede di sopralluoghi di architetti e direttori di musei, il punto di scambio di informazioni (dal Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, al Rijksmuseum di Amsterdam, dal Metropolitan Museum di New York, alla Kunstahaus di Zurigo).
Inaugurata dal Presidente della Repubblica Giovanni Gronchi il 31 ottobre 1959, la Galleria è “moderna” ed “europea”, come titolano i quotidiani di quei giorni.
Le sue pareti esterne sono inclinate: ai torinesi incuriositi e perplessi Luigi Carluccio ricorda, tra le colonne della “Gazzetta del Popolo”, che anche al Guggenheim Museum di New York, firmato da Frank Lloyd Wright e appena aperto, i muri sono “ciechi” e “sghembi”, sviluppati “su un percorso a spirale, a guscio di chiocciola”.
A Torino, il museo si sviluppa in tre corpi (con l’ala delle collezioni permanenti, quella delle mostre temporanee, il blocco con la sala conferenze e la biblioteca). Si inserisce diagonalmente nell’isolato, seguendo l’asse eliotermico, un principio che i progettisti adottano per intercettare la luce solare e per ricavare a terra un giardino, fatto di spicchi di prato che si insinuano tra le forme mosse dell’edificio. Bassi e Boschetti hanno rotto la maglia ortogonale, razionale e ordinata, espressione della forma mentis della città.
Dotato di una sua tensione, l’edificio è percorso da una forte dialettica interna che coglie, da un lato, una riflessione sulla “deformità” provocata dalle distruzioni della guerra, e dall’altro testimonia la tensione verso il futuro, con un progetto per una costruzione fatta di diagonali e linee spezzate, una sorta di astronave atterrata sui viali della città.
Questo immaginario utopico sul futuro - che l’architettura traduce in strutture nuove, e che va di pari passo con la nascita dell’informale e del cinema neorealista - nasce prima di tutto nell’arte e si sviluppa verso la fine degli anni Cinquanta. Le proposte artistiche e le forme legate allo spazialismo, all’arte cinetico-programmata e all’optical, ricordano il nostro museo.
Immaginare di trasformare la distruzione della guerra in un’idea propositiva per il futuro, è la sfida colta dall’allora direttore dei Musei Civici Vittorio Viale. Con grande lungimiranza, accresce le collezioni di arte moderna ancor prima che si pensi alla costruzione di un nuovo museo, creando le premesse per gli sviluppi futuri delle nostre collezioni moderne e cogliendo “il sempre più vivo interesse della città per le espressioni artistiche del nostro tempo”.
La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale





01/12/16

Arriva la "Madonna della Misericordia" a Palazzo Marino nella Sala Alessi accoglierà l'opera di Piero della Francesca



Sala Alessi accoglie Piero della Francesca per le prossime festività natalizie: è infatti la “Madonna della Misericordia” dell’artista rinascimentale ad essere esposta a Milano per il tradizionale appuntamento con capolavori della pittura a Palazzo Marino, dopo gli anni dedicati a Rubens, Caravaggio, Raffaello, Canova, Gérard, Tiziano, Leonardo e De La Tour.


L’opera è la pala centrale del Polittico della Misericordia, prima tra le opere documentate di Piero della Francesca, realizzata tra il 1445 e il 1472 per la Confraternita della Misericordia di Sansepolcro, oggi custodita nel borgo natale del pittore, Sansepolcro, nel Museo Civico cittadino. Il quadro, che vede la Vergine Maria aprire il mantello per dare riparo ai fedeli, oltre a richiamare tematicamente il Giubileo, è indicativo della modernità dell’artista nello studio dello spazio e della prospettiva.



La mostra si aggiunge a un itinerario ideale dedicato a Piero della Francesca, che può proseguire con la Sacra Conversazione (Pala Montefeltro) alla Pinacoteca di Brera e con le quattro tavole del Polittico Agostiniano, custodite alla Casa Museo Poldi Pezzoli.



Lo scambio tra Milano e Sansepolcro non termina qui: nel 2017, in occasione dei 500 anni dalla morte di Luca Pacioli, il borgo toscano ospiterà alcune opere di Leonardo e di Giampietrino provenienti dalle collezioni milanesi.

SEE HOW THE LAND LAYS




SEE HOW THE LAND LAYS
Exhibition
02.12.2016 — 26.02.2017
Opening
Friday 02.12.2016, 5 pm
Location
West in Huis Huguetan, Lange Voorhout 34, 2514 EE Den Haag


With Saâdane AfifDiego TonusGuillaume BijlEdith DekyndtMarilou van LieropGabriel KuriSuchan KinoshitaFabio ZimbresJavier Téllez and Latifa Echakhch.


GARARIN is a unique artist’s periodical, entirely dedicated to the publication of especially written and unpublished texts by artists who are at this moment working anywhere in the world. GAGARIN aims to bundle texts that are artistic and situated in the context of the work of the artist. GAGARIN was set up by Wilfried Huet in the millennium year 2000 and appeals to those who are willing to search for stimulating art and ideas when these are still fresh. The basic editorial principle was, amongst other things, inspired by John Baldessari’s quotation: ‘Talking about art simply is not art. Talk can be art, but then it is not talking about art’. GAGARIN has published contributions by more than 280 artists from 64 countries worldwide and in 47 languages (always with an English translation). In December 2016, the 33th and final issue will be published.

See how the land lays is the title of an exhibition which was realized by HELD in response to the ending of the artist’s periodical GAGARIN. The exhibition focuses on the idea of GAGARIN being the first man in space. See how the land lies aims to create a picture of the ‘vue plongeante’ that the cosmonaut caught sight of when coming back to earth from the orbit. The exhibition is composed with works from artists who have written a contribution for the magazine.

Saâdane Afif will present his The Fountain ArchivesGuillaume Bijl his installation Nieuwe Democratische Partij (New Democratic Party) and Diego Tonus his film Soundtracks for Revolutions. Work by Fabio Zimbres will be exhibited for the first time in the Netherlands.

The exhibition is presented in the former building of the Supreme Court of the Netherlands, situated at the Lange Voorhout in The Hague. A very special location, right in the midst of the future Museum District. The exhibition is linked with a presentation in the home base of West where the complete GAGARIN oeuvre will be presented. In addition, a rare textbook by Andreas Slominski and the four- part, exceptional textbook Projekt Westmensch by Joseph Beuys can be viewed.

HELD is a group of four independent aficionados of contemporary art in Belgium. Their initials H(uet), E(ngelen), L(ohaus), D(evriendt) form the vigorous logo of this very diverse group. HELD is practice-oriented and positions itself as the partner in crime of the artist. The quartet boards the boat that the artists are sailing in, and takes a seat on the boat while searching for their a new stage.

From early 2017, the complete series of GAGARIN will be collected in a numbered and signed box, which will be further distributed on a first-come-first-served basis.